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是极为专业的评委，他们给出的成绩是极为权威和公正的，不会因为选手的出场顺序受到影响。
在钢琴前坐定，微微调整了一下呼吸之后。科兹洛娃将手伸展铺开到了钢琴上。
短暂的停顿之后，左手轻微地在琴键上起伏着，带起一串局促不安的和弦。
李斯特作品，《梅菲斯特圆舞曲》。
这是一首非常具有戏剧色彩的、充满着不安、紧张的气氛，同时也是李斯特钢琴炫技作品中。非常有代表性的一首。尽管它在普通大众和钢琴初学者的耳中，并不那么熟悉，但几乎每个职业钢琴家都知道这首曲子。
梅菲斯特是歌德剧作《浮士德》中的魔鬼，整首作品都试图用尖锐的不和弦和弦、动静强弱的对比，来描写和刻画这一形象。这种作品在普通人听来，可能与通常意义上的审美观有着巨大差异。因为这种偏抽象的、叙事性的音乐，给人的感觉总是有些奇怪。但它在演奏过程中对技巧的要求，却是相当之高的。换句话说，这是一首纯粹炫技的作品。
四分之一决赛要求选手演奏时间不得超过35分钟，所演奏的曲目中至少包含规定曲目一首。这首《梅菲斯特圆舞曲》就是规定曲目之一。
科兹洛娃的演奏技巧非常熟练。她的双手灵活地贴在键面上，每一次起伏都是非常轻巧，连音、顿音、跳音把握得非常到位，将这首需要用“时间”来表现音乐形象的曲子，演奏得非常完美。
楚扬和许多选手一起，坐在主办方为选手专门提供的等候室里。四分之一决赛需要三天的时间。楚扬在今天并没有比赛安排，按照要求可以在酒店休息，不过他依然来到了现场。他想看一看。这届的钢琴选手中有没有特别出色的，能够达到他的标准的人，也算是为乐神门将来的组建提前发现“人才”。
在这里要说一下楚扬选择音乐人的标准了。在楚扬看来。并不是那些名气越大的、技巧越好的音乐人，就越适合乐神门的人选标准。他看一个音乐人，更重要的是看他潜在的素质，通俗点说就是对音乐的“感觉”。楚扬觉得，对于音修士来说，有没有“灵性”。有没有一颗“乐心”是最为重要的。很多音乐人已经取得了很大的名气，但在楚扬的看里。看到的是他们已经僵死的思维，对音乐本身缺乏热情和灵敏的感知力。这样的人即便是名气再大，如果转入音修这条路，也注定不会取得很高的成就。
这一点，以现在华夏的流行乐坛最为明显。楚扬看到，很多的年轻歌手、艺人，凭借着一到两首歌大红大紫，然后就到处参加节目、拍戏等等，看似很红很火，但只从他们的音乐作品中就可以看得出来，他们对于音乐的感觉和理解是多么浅薄。这样的人，就像是一汪浑浊的死水，看上去深不可测，非常唬人，实际上在真正懂行的人眼里，却浅薄不堪。
楚扬的身边不远处，坐着朗朗和另一位华夏女选手，叫杜静的，也是曾经参加过李斯特大师杯的选手，不过后者没有取得过名次，这一次估计是想要再搏一把。
他们两个人今天上午都有比赛任务，而且都安排到了上午。华夏这次参加比赛的一共有六名选手，在赛前的一个小型会议上，楚扬同他们都见过了面，不过除了朗朗，其他的几个人楚扬都不是很熟悉。这只能说楚扬在以前真的没有怎么关注过职业钢琴这个圈子。
像这个叫做杜静的选手，楚扬也只是通过朗朗的介绍才知道，她现在在沪海的交响乐团担任钢琴独奏，同时在沪海音乐学院任教，今年已经三十四岁了，职业钢琴生涯也有十多年了。在国内介乎于一流钢琴家与二流钢琴家之间。她来参加李斯特大师杯，可不像朗朗和自己这样，有人专门推荐，而是通过参加国际选拔赛，一路过关斩将才进来的。
其实，能够在那么激烈的选拔赛中脱颖而出，本身的水平和实力也不会差，但杜静在国际钢琴界却没有什么名气，这就不得不说是钢琴界的一种悲哀了。舞台就那么大，“明星”就那么多，但拥有过硬技术和实力的钢琴家一抓一大把。想要从众人中脱颖而出，从“一流”过度到“顶尖”并不是一件容易的事情。除了拥有技术和实力之外，还需要一点点的个性与运气。就像朗朗，你很难说他那种夸张的演奏方法是好还是不好，但毫无疑问这种演奏很奇特，很“吸引眼球”。而这就是他成功的因素之一。如果你说到技巧。说到苦练，他的确也做到了，但毫无疑问太多的钢琴家同他一样刻苦，甚至有人比他更刻苦，但他们却默默无闻，只因为他们缺少了一些个性的东西。还有机遇。
而像这种国际性的权威比赛，对于所有的钢琴选手来说，就是一种机遇。在这样的比赛上获得一个好的名次，无形中就提高了自己的身价。身价提高了，接下来就会有更多的演出机会。就会有更广阔的舞台，也就有可能成为钢琴界的“明星”、“大师”。这是一条必经之路，尽管很多钢琴教育家都觉得，过多的比赛对于选手来说并非是一件好事，因为它使选手的注意力都集中到了比赛过程和名次上，缺少了对音乐本身的关注。但尽管他们这么说，参加比赛，取得名次。获得声望，依然是大多数钢琴选手出人头地的唯一出路！
楚扬没有同朗朗和杜静聊天，他专注地看着这个俄罗斯女钢琴家的演奏。她的演奏毫无疑问非常标准。也非常老到，挑不出任何的一点问题。这首《梅菲斯特圆舞曲》的曲谱，楚扬非常熟悉，可以说乐谱上的任何一点细节的标记，在她的手下都得到了很标准的处理。
但正是这种无处不在的“标准”，使得这音乐本身像是流水线上下来的一件商品。变得毫无特色。如果用楚扬的标准来衡量，那就是缺少灵魂。
一首钢琴作品也好。或者其他什么音乐作品也罢，是作曲家本身思想的一种表达。这种思想可能是积极的。也可能是消极的，可能是高兴的，也可能是悲伤的，可能是愤怒的，也可能是神秘的……这些情绪，通过声音的高低长短，强弱连断等手段表现出来。作为演奏者，需要用乐器来理解、再现作者当时创作的那种情绪，透过种种表面上的技巧，将音乐中最深刻的东西挖掘出来，这才是合奏的演奏家。
而更进一步，则是要在这所谓的“音乐灵魂”之中，融入自己的思想，让它成为“活”的东西。对于音修士来说，做不到这一步，就永远也迈不进真正的乐道大门！
而做到了这一步，也并不是代表了真正的入门，因为每个人的思想也是有深有浅，有好有坏的。思想境界的高低，直接决定了你对音乐的理解好坏，决定了你能将它升华到一个什么样的程度。而神魂之力的境界，就是一个具体的衡量标准。
如果用计算机的硬件标准来衡量，就会很好理解这个体系。举个例子，比如对一首音乐作品的理解是一个求解圆周率的方程，当然求出的小数点位数越多，理解就越精确，这是前提。在这个前提下，自然是越强大的计算能力，求出的位数越多，如果把炼气期的神魂之力比做用纸笔算盘构成的硬件计算系统，到了筑基器就是计算器，到了金丹期又升级成了计算机，接着是服务器，超级计算机……
所以，神魂之力层次的提升，不代表对音乐的理解层次就越高，但它为理解到更高的层次，提供了一种可能，一种“硬件”上的支持。
《梅菲斯特圆舞曲》的音乐还在继续，已经演奏了十多分钟，渐渐进入到了尾声。整首曲子，楚扬听得有些无聊，像这种除了技巧之外，听不到一点对于作品本身的理解的东西，他实在是提不起兴趣。
第一首曲子结束之后，来自俄罗斯的女钢琴家没有起身，下面也没有人鼓掌，因为大家都知道，她的演奏还没有结束。
每个人的演奏时间不超过三十五分钟，在这样一个时间段里，大约每个人可以演奏三到四首曲子，如果是简短的小品之类的作品，可能会更多一些，但一般的选手都不会这么选，因为他们必须保证在这段时间里，有一首足够长，拥有足够份量的作品，以展示他们的技巧。
一般人的思路是这样的，先演奏一首规定曲目，时间大约占到总时间的三分之一到四分之一的样子，接着演奏一首短一些的自选曲目，一般都是从超练中选一首。接着就是选一个比较长一些的独奏曲。
这个套路，基本上在这样的比赛中已经形成固定模式了，在这种四分之一决赛中，每个选手都非常珍惜演奏的每一分钟，因为四分之一决赛是淘汰赛制，一局定输赢，出局了就失去继续比赛下去的机会了。
科兹洛娃的时间把握得刚刚好，三十四分钟的时候，她结束了自己最后一首曲子的演奏。从钢琴前站起身来，台下立刻响起了一阵热烈的掌声。
成绩是当场打出来的，采取百分制，经过当场亮分之后，科兹洛娃又是一个鞠躬，随即转身走下了舞台。她的成绩还不，评委们给出的分数都在94到96之间，这个成绩算不上绝对的高分，但却是一个相当有竞争力的分数，大大提高了她进入半决赛的可能。
紧接着第二个上场的是一位来自岛国的男选手，名字叫做冈田一朗，他的身材矮小，留着一头类似岛国着名指挥家小泽征尔的卷发。他的双手也比较小，看上去并不像是适合演奏钢琴的手，但他的演奏风格非常灵活，轻快，这一点弥补了他先天条件上的不足。
他演奏的第一首作品是《清教徒的回忆（贝利尼）》，这也是一首很生僻的曲子，同样带有叙事色彩。似乎很多参加这种大赛的选手，都喜欢选择这种冷门生僻的作品。其实这里面也包含着一种心理上的博弈。毕竟生僻的作品，选手不熟悉，评委也不熟悉，就算是听过，也没有做过深入具体的分析，不像是《钟》、《匈牙利狂想曲》、《鬼火》、《狩猎》、《追雪》等作品一样，都被人快分析烂了，这样的曲子，有无数的珠玉在前，演奏它们纯粹是一件吃力不讨好的事情。演奏得没什么毛病是应该的，任何一小点缺点，都被会敏锐的捕捉到，随即被无限地放大。
冈田一朗的演奏中规中矩，没有给人留下什么太深刻的印象。他的演奏结束之后，紧接着又有两位分别来自米国和德国的选手登台，上午的赛程过半的时候，终于轮到了朗朗。听到主持人报出自己的名字，朗朗站起身来，转身看着楚扬笑道：“我去了！”
“恩，加油！”楚扬冲他点了点头，伸出大拇指冲他比了比。
朗朗整理了一下自己黑色的、带有亮晶晶的小圆片的礼服，转身轻快地向着赛场走去！（未完待续）
第九百八十五章 中外之别
朗朗的登台，赢得了台下一阵持续时间非常长的掌声。
在国际钢琴舞台，朗朗无疑是一个非常成功的钢琴家，他的形象年轻而充满活力，演奏充满激情和戏剧性，不得不说这样的表现形式，让钢琴演奏本身更加充满魅力。这也是他区别于普通钢琴家的地方。
十一位评委看到朗朗台，目光也是流露出了期待。这位从神秘的东方国度走出来的钢琴家，已经不止一次带给他